Лекции по истории искусства

История искусства
Искусство Древнего Египта
Искусство Древнего Рима
Искусство Византии
Готическое искусство
Искусство эпохи Возрождения
Высокое Возрождение
Искусство Барокко
Искусство рококо
Искусство эпохи Просвещения
Живопись импрессионизма
Искусство европейского модернизма
Русское искусство
Искусство московской Руси
Изобразительное искусство
Живопись
Импрессионизм
Техника живописи
Анималистический жанр
Стили и направления в искусстве
Символизм
Ар Нуво
Модерн в декоративно-прикладном искусстве
Фовизм
Экспрессионизм
Кубизм
Футуризм
АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО.
РОЖДЕНИЕ СУПРЕМАТИЗМА
ПОСТСУПРЕМАТИЗМ
Дадаизм
Движение Дада в Ганновере
Метафизическая живопис
Сюрреализм
ЛУЧИЗМ Одна из версий русского авангарда
БАУХАУЗ
Высший художественнотехнический институт
АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ В США
ТАШИЗМ
Оп арт
Кинетическое искусство
Попарт
Гиперреализм (фотореализм)
Акционизм в искусстве
ВИДЕОАРТ
Биографии художников
БААДЕР, Иоганнес
ТЦАРА, Тристан
АРП, Жан (Ганс)
Сальвадор Дали
Лисицкий
ГАБО, НАУМ
Филип Перлстайн
Таммик
Лучишкин Сергей Алексеевич
Борис Николаевич Яковлев
ДЕЙНЕКА Александр Александрович
ПИМЕНОВ ЮРИЙ ИВАНОВИЧ
Этторе Соттсасс
История искусства в России
Медиаискусство
Московский концептуализм
Минималистская эстетика в СССР
Социалистический реализм
СОВЕТСКАЯ ЖАНРОВАЯ КАРТИНА
Круг художников
НЕОРЕАЛИЗМ
СУРОВЫЙ СТИЛЬ

КУБИЗМ

Кубизм (фр. cubisme, от cub – куб) – модернистское течение европейского изобразительного искусства начала ХХ в. Кубисты стремились выявить геометрическую структуру видимых объемных форм, разлагая реальные предметы на части и организовывая их в другом порядке в новую форму. Название сложилось из внешнего сходства живописи кубистов с простыми геометрическими телами – шаром, конусом, призмой, кубом. Кубизм ставил целью познание реальности, раскрытие внутренней, философской сущности предметов с помощью новых средств. Он знаменовал собой отказ от реализма и вызов стандартной красивости официального салонного искусства.

Кубизм сложился во французском искусстве в 1900-1910-е годы. Течение представляет собой сложное художественное явление, объединившее живописцев и скульпторов, музыкантов и поэтов. Основоположниками кубизма были П. Пикассо и Ж. Брак.

В истории кубизма принято выделять три периода, отражающие разные эстетические концепции: сезанновский (1907-1909), аналитический (1909-1912) и синтетический (1913-1914):

Непосредственное влияние на формирование кубизма оказали эксперименты с формой в живописи П. Сезанна. В 1904 и 1907 году в Париже прошли выставки его работ.

В картинах сезанновского периода геометризация форм подчеркивает устойчивость, предметность мира, массивные объемы как бы раскладываются на плоскости холста, цвет выделяет отдельные грани предмета: теплые – выступающие элементы, холодные – удаленные. (П. Пикассо «Три женщины», 1909; Ж. Брак «Эстак», 1908). Чтобы полнее выразить идеи вещей, отвергается традиционная перспектива, происходит совмещение нескольких ее видов в рамках одной картины.

В картинах аналитического периода предмет дробится на мелкие грани и сходящиеся под углом плоскости, которые четко отделяются друг от друга, используется ограниченный набор красок. Изображение одного и того же предмета показывается с разных сторон одновременно во многих ракурсах. Картины изображают то, что мы знаем о пространстве и фигурах, а не только то, что мы видим. Это приводит к ритмичной игре форм, плоскостей, объемов. Изображение словно распадается на холсте (П. Пикассо «Портрет А. Воллара», 1910).

Сильный импульс развитию этой фазы стиля дало художественное объединение «Золотое сечение», которое основали в 1912 Альбер Глез, Жан Метценже, Марсель Дюшан, Раймон Дюшан-Вийон и Жак Вийон.

В синтетический период предпочтение отдается декоративному началу. Картина превращается в красочное плоскостное панно (П. Пикассо «Гитара и скрипки», 1918; Ж. Брак « Женщина с гитарой», 1913). Основным становится прием коллажа. Объект словно собирается, синтезируется из разнообразных фрагментов или знаков – слов, цифр, нот, обрывков газет, цветной бумаги, обоев, схематических рисунков и красочных мазков. Отказ от изображения пространства и объема как бы компенсируется прикладыванием реальных объемных конструкций к плоскости листа. В это же время появляется кубистическая скульптура с геометризацией и сдвигами форм, деформированием фигур, внешние контуры которых обозначаются металлическими полосами и др.

Впервые слово «Кубизм» прозвучало в качестве термина в репортаже Вокселя о Салоне Независимых в 1909 году. Отныне последующие картины П. Пикассо и Ж. Брака стали считаться созданными в новообразованном стиле. П. Пикассо позже вспоминал: «Когда мы «изобретали» кубизм, мы вовсе не делали этого намеренно. Мы просто хотели выразить то, что было в нас самих. Цели кубизма вполне ясны. Мы относимся к нему только как к способу выражения того, что мы воспринимаем зрением и духом, посредством использования всех возможностей, составляющих естественные свойства рисунка и цвета. Он стал для нас источником неожиданной радости, источником открытий».

Публичное выступление в качестве «группы независимых художников-кубистов» состоялось в 1911 году в Салоне независимых, в котором участвовали Робер Делоне, Анри Ле Фоконье, Альбер Глез и Жан Метценже. По описанию Гийома Аполлинера, «зал 41, который был отведен кубистам, произвел глубокое впечатление на публику». Сегодня эта выставка считается первой групповой манифестацией кубизма. После презентации в «зале 41» кубисты были разделены на две группы: представивших работы на выставку Р. Делоне, А. Глеза и Ж. Метценже стали именовать «салонными кубистами», а Ж. Брака и П. Пикассо – «галерейными кубистами». Теперь произведения П. Пикассо и Ж. Брака можно было увидеть только на выставках в галереях Канвейлера и Воллара и на различных выставках за рубежом. С 1910 года Даниэль-Анри Канвейлер отправлял работы художников, которых он представлял, на выставки авангардистов за границу. Выставки «Зондербунда», проходившие попеременно в Дюссельдорфе и Кёльне, являлись значительным форумом, на котором картины Ж. Брака и П. Пикассо выставлялись в 1910, 1911 и 1912 годах. А произведения «салонных кубистов», таких как А. Глез, Ле Фоконье, можно было увидеть на периодических выставках общества «Бубновый Валет» в Москве. Следующая важная зарубежная выставка, «Moderne Kunst Kring», проходила в Амстердаме с октября по ноябрь 1912 года. Там были собраны произведения Ж. Брака, П. Пикассо, А. Глеза, Ж. Метценже,

и Ф. Леже. В конце февраля 1913 года, в мюнхенской галерее Генриха Таннхаузера состоялась первая ретроспектива Пикассо  в Германии. В состав выставки входили 76 живописных полотен, а также 38 пастелей акварелей, рисунков и гравюр. После экспонирования в Мюнхене выставка была показана также в Праге и Берлине.

С 17 февраля по 15 марта 1913 года 8 работ П. Пикассо и 3 картины Ж. Брака были показаны на первой «Armory show» («Арсенальной выставке»), международной выставке современного искусства, устроенной в Нью-Йорке. Эта выставка, где были собраны 1600 произведений, дала решающие импульсы миру искусства. Выставка разрушила прежнюю гегемонию Национальной академии дизайна, которая придерживалась консервативного направления современного искусства.

В 1915 году Даниэль-Анри Канвейлер начал работать над своей легендарной книгой «Путь к кубизму». Наряду с изданием 1912 года «О кубизме», она является одной из самых значительных публикаций о кубизме того времени.

Незаменимым источником информации является составленная Джудит Козинс биографическая хронология П. Пикассо и Ж. Брака, в которой сопоставляются все события этих лет. Она опубликована в книге Уильяма Рубина, приуроченной к выставке «Пикассо и Брак. Рождение кубизма», проходившей в Музее современного искусства в Нью-Йорке и в Музее искусства в Базеле (1989-1990).

Оглядываясь назад, мы, несомненно, должны признать, что кубизм оказал весьма значительное влияние на течения ХХ века: на итальянский футуризм; на лучизм и супрематизм в России; на французский орфизм и пуризм; на деятельность группы «Синий всадник» в Германии, движение «Де Стейл» в Нидерландах; и, наконец, на распространившееся в международном масштабе движение дадаистов и на все искусство конструктивизма. Практически все ведущие художники первой половины ХХ века испытывали влияние кубизма в ранний период своего творчества, и их произведения сформированы под влиянием его открытий и композиционных приемов.

Кубизм, зарождение которого пришлось на первые годы ХХ столетия, а развитие было резко прервано началом Первой мировой войны, вне всякого сомнения, является одним из наиболее важных, стилистически выразительных средств в искусстве ХХ века.

Как бы ни были разнообразны сохранившиеся свидетельства об истоках кубизма, все единодушно сходятся в том, что своей большеформатной картиной «Авиньонские девицы» (ее размеры 244 х 234 см) - Пабло Пикассо заложил краеугольный камень, первого революционного искусства ХХ века. Полотно, созданное  в 1907 году знаменует начало «кубистического мышления». П. Пикассо был первым художником, проигнорировавшим требования воспринимаемого пространства, правдоподобного колорита и передачи естественных пропорций фигуры. Трехмерность обнаженных женских тел и их окружения распадается, превращается в двухмерное украшение поверхности, в котором соединяются различные точки зрения одновременно. Создание иллюзии пространства и пластичности отходит на второй план по сравнению с задачей изображения и структурирования форм. Совокупность этих новшеств, которые противоречили всем академическим установкам начала ХIХ века, у многих современников П. Пикассо вызывала беспокойство и встречала порой яростную критику.

В своей работе кубисты использовали разнообразные источники выразительных средств и образов. Наряду с фотографией, немаловажную роль играл интерес к африканскому искусству. О Ж. Браке известно то, что он приобрел в марсельском порту маску из африканской страны Габон. П. Пикассо особенно знаменит тем, что позволял своей страсти к коллекционированию и удовольствию от экспериментирования перерасти в творчество. Он открыл искусство африканских племен также и для искусства живописи. Помимо многочисленных статуэток и масок, африканские фотографии из архива П. Пикассо говорят о пристальном интересе художника, например к женским головным уборам. Если сравнить фотографию женщины племени малинке, сделанную Э. Фортье в 1906 году, с произведением П. Пикассо «Женщина» (1906-1907) в профиль, становится очевидным, что фотографическая открытка послужила моделью для картины. Яркие, сверкающие краски картины выделяют ее среди других работ этого периода. Лицо изображенной окрашено в коричневые тона, подобно африканской маске. Намеченное на голове женщины украшение напоминает традиционные прически африканских женщин.

П. Пикассо был наблюдательным зрителем и часто использовал фотоаппарат, чтобы документально зафиксировать то, что его окружает. Его наследие составляют около 1000 визитных карточек, бесчисленные фотографические открытки, множество произведений известных фотографов, таких как Брассай (1899-1984) и Андре Вильер, анонимных авторов, а также бесчисленные фотографии сделанные им самим. Он использовал фотографические изображения в качестве отправной точки своих картин и рисунков.

Хорошо известные нам сегодня произведения других кубистов появляются на выставках, только начиная с 1910 года. Альбер Глез, Фернан Леже и Жан Метценже выставили свои работы в Салоне Независимых, проходившем с 18 марта по 15 мая 1910 года. Жан Метценже представил первый кубистический портрет, написанный с Гийома Аполлинера.

Биографии:

Жорж Брак (1882-1963), французский художник, график, скульптор и декоратор. Вместе с П. Пикассо является основоположником кубизма. Родился 13 мая 1882 года в Аржантане в семье художника-декоратора. В 1900-1901 учился в Технической школе в Париже. В 1902-1904 посещает занятия в Школе изящных искусств и в академии Эмбера, музеи и частные коллекции, изучает живопись импрессионистов и постимпрессионистов, египетскую и греческую скульптуру, а также произведения Коро и Сезанна.

В 1906-1907 Ж. Брак пишет несколько серий пейзажей, в которых чувствуется влияние живописи фовистов и Сезанна. Сильное впечатление произвела на него картина Пикассо «Авиньонские девицы» (1907). В 1908 году художник создает серию новаторских пейзажей, при работе над которыми он следует призыву Сезанна: «Изображайте природу в формах цилиндров, сфер и конусов». В 1908-1914 Ж. Брак и П. Пикассо работают в тесном сотрудничестве, развивая принципы нового художественного направления. Сначала они аналитически разрушают привычные образы предметов, словно «разбирая» их на отдельные формы и пространственные структуры, а в 1912 году начинают работать в технике коллажа и аппликации и увлекаются обратным процессом – синтезированием объектов из разнородных элементов. Значительным вкладом Ж. Брака в творческий процесс становится использование надписей и различных декоративных техник.

Большая композиция «Музыкантша» (1917–1918) является итогом фазы синтетического кубизма в творчестве Брака и обозначает отправную точку в его новых творческих поисках. В 1920-е годы элементы кубизма постепенно исчезают из произведений Ж. Брака, он использует больше изобразительных мотивов. Общественное признание приходит к нему в 1922 году после выставки, на которой художник представляет серии картин, написанных в богатой живописной манере: Камины, Столы и Канефоры (девушки, несущие корзины с жертвенной утварью). В конце 1920-х годов Ж. Брак отказывается от ярких живописных эффектов и продолжает эксперименты с формой и цветом; он пишет морские виды, купальщиц, неоклассические мотивы и головы с двойным профилем. В 1930-1940-е годы художник пишет натюрморты и композиции в интерьере, иногда с музыкантами, натурщиками и художниками, а иногда - вовсе лишенные человеческих фигур. После войны работы Ж. Брака приобретают более созерцательный характер, о чем свидетельствует серия из 8 картин «Мастерская» (1949–1956). В 1952–1953 художник выполняет росписи плафонов в Лувре. Изображенные на них большие черные птицы на фоне голубого неба становятся одним из наиболее часто встречающихся мотивов в поздних работах мастера.

Пабло Пикассо (1881-1973), полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо - испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер. Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком).

Первые уроки художественного мастерства П. Пикассо получил у своего отца - учителя рисования Х. Руиса, и вскоре владел им в совершенстве. В 8 лет он рисует свою первую серьезную картину маслом, «Пикадора», с которой не расстается в течение всей жизни.

П. Пикассо обучается в школе искусств в Ла-Корунье (1894-1895). В 1895 году поступает в школу изящных искусств в Барселоне. В сентябре 1897 уезжает в Мадрид, где в октябре проходит конкурс в академию Сан-Фернандо.

Художник возвращается в Барселону в июне 1898 года, там он входит в общество «Els Quatre Gats» - богемное кафе с круглыми столами на художественные темы. В этом кафе пройдет его первая выставка. В 1900 году П. Пикассо уезжает в Париж. Именно там, он знакомится с творчеством импрессионистов.

В начале 1902 года П. Пикассо делает работы в стиле, впоследствии названном "голубой период". В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (П. Пикассо считал - «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедленны, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, П. Пикассо в этот период рисует слепых, нищих, алкоголиков и проституток.

Произведение переходного периода - от «голубого» к «розовому» - «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). В 1904 году Пикассо поселяется в Париже: начинается так называемый "розовый период", в котором печаль и нищета "голубого периода" сменяется образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдает предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами становятся странствующие комедианты, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов ("Семья акробатов с обезьяной", 1905)

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация натуры ("Авиньонские девицы", 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. Вместе с Жоржем Браком, Пикассо становится родоначальником кубизма - художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки ("Фабрика в Хорта де Эбро", 1909), увеличивает и ломает объемы ("Портрет Фернанда Оливье", 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910).

В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве П. Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х ("Танец") П. Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 году, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ ("Сидящая купальщица", 1929), орущих ("Женщина в кресле", 1929), раздутых до абсурда и бесформенных ("Купальщица", рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы ("Фигуры на берегу моря", 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период ("Девушка перед зеркалом", 1932). В 1930-1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила П. Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса ("Лежащая женщина", 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма ("Мужчина с букетом", 1934) и металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса - "Конструкция", 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к "Метаморфозам" Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

В 1937 году симпатии Пикассо - на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация разрушила небольшой городок басков Гернику - культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику» - громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за ее спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником - символом надежды.

Гуманистические воззрения П. Пикассо проявляются и в других его работах: в 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».

Осенью 1947 года П. Пикассо начинает работать на фабрике "Мадура" в Валлорисе. Увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных ("Кентавр", 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот период скульптуры ("Беременная женщина", 1950). Некоторые из них ("Коза", 1950; "Обезьяна с малышом", 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника многогранны.

Фернан Леже (1881-1955), французский живописец, скульптор, график, керамист и декоратор, поборник «эстетики машинных форм» и «механического искусства». Родился 4 февраля 1881 года в Аржантане, в семье нормандского крестьянина. В 16 лет начинает работать в архитектурной фирме в Кане, а в 1900 году становится чертежником в архитектурной мастерской в Париже. После службы в армии поселяется в живописном и привлекательном для художников доме с мастерскими «Ла Рюше» («Улей»), где встречается с такими мастерами, как А. Архипенко, А. Лоран, Ж. Липшиц, Делоне, М. Шагал и Х. Сутин. В 1910 году художник знакомится с П.Пикассо и Ж.Браком. Свои первые полотна Ф. Леже пишет под влиянием живописи П.Сезанна («Свадьба» (1910), «Дама в голубом» (1912), серию «Геометрические элементы» (1913–1914)).

После Первой мировой войны Леже интересуется современными теориями движения и механики. Этот интерес выразился в создании таких произведений, как «Город» (1919), «Механика» (1920), «Большой завтрак» (другое название «Три женщины», 1921) и «Вокзал» (1923). В них элементы человеческого тела напоминают формы труб, моторов, стержней и шестеренок. Ф. Леже осуществляет крупные декоративные проекты на Выставке декоративных искусств в Париже (1925), на Брюссельской международной выставке (1935) и в здании ООН в Нью-Йорке (1952).

С 1931 по 1939 годы Леже несколько раз бывает в США. Во время Второй мировой войны (с 1940) он получает там убежище и преподает в Йельском университете. Вернувшись в Париж в декабре 1945 года, он завершает серию крупных композиций «Прощай, Нью-Йорк» (1946), «Развлечения» (1949), «Конструкторы» (1950), «Деревенская компания» (1953), «Большой парад» (1954).

Ф. Леже интересуют разные области искусства: мозаика, цветное стекло, книжная иллюстрация, изготовление картонов для ковров, театральная декорация. Везде он стремится передать движение. В 1921 году вместе с Сандраром участвует в работе над фильмом Абеля Ганса «Колесо». Иллюстрирует книгу Андре Мальро «Бумажные луны». В киноискусстве Ф. Леже создает первый фильм без сценария «Механический балет» (1924). В 1934 году А. Корда попросит его сделать декорации для фильма по сценарию Г.Уэллса «Форма грядущего». Вместе с А. Колдером, М. Дюшаном, М. Эрнстом и М. Рэем он работает над фильмом «Мечты, которые можно купить за деньги» («Ханс Рихтер филм», 1948).

Биографии художников