История мирового искусства

История искусства
Искусство Древнего Египта
Искусство Древнего Рима
Искусство Византии
Готическое искусство
Искусство эпохи Возрождения
Высокое Возрождение
Искусство Барокко
Искусство рококо
Искусство эпохи Просвещения
Живопись импрессионизма
Искусство европейского модернизма
Русское искусство
Искусство московской Руси
Изобразительное искусство
Живопись
Импрессионизм
Техника живописи
Анималистический жанр
Стили и направления в искусстве
Символизм
Ар Нуво
Модерн в декоративно-прикладном искусстве
Фовизм
Экспрессионизм
Кубизм
Футуризм
АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО.
РОЖДЕНИЕ СУПРЕМАТИЗМА
ПОСТСУПРЕМАТИЗМ
Дадаизм
Движение Дада в Ганновере
Метафизическая живопис
Сюрреализм
ЛУЧИЗМ Одна из версий русского авангарда
БАУХАУЗ
Высший художественнотехнический институт
АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ В США
ТАШИЗМ
Оп арт
Кинетическое искусство
Попарт
Гиперреализм (фотореализм)
Акционизм в искусстве
ВИДЕОАРТ
Биографии художников
БААДЕР, Иоганнес
ТЦАРА, Тристан
АРП, Жан (Ганс)
Сальвадор Дали
Лисицкий
ГАБО, НАУМ
Филип Перлстайн
Таммик
Лучишкин Сергей Алексеевич
Борис Николаевич Яковлев
ДЕЙНЕКА Александр Александрович
ПИМЕНОВ ЮРИЙ ИВАНОВИЧ
Этторе Соттсасс
История искусства в России
Медиаискусство
Московский концептуализм
Минималистская эстетика в СССР
Социалистический реализм
СОВЕТСКАЯ ЖАНРОВАЯ КАРТИНА
Круг художников
НЕОРЕАЛИЗМ
СУРОВЫЙ СТИЛЬ

Высокое Возрождение

Если проторенессанс длился в Италии полтора столетия, ранний – сто лет, то высокое Возрождение заняло всего три десятилетия. Окончание этого периода датируют 1530 г., когда итальянские города утратили свободу в результате глубокого кризиса внутри страны и посягательств габсбургской монархии. Колыбелью раннего Возрождения по праву считается Флоренция, центром высокого – Рим и Венеция. Высокое Возрождение связано с именами трёх великих художников: Леонардо да Винчи (1452 – 1519 гг.), Микеланджело Буонарроти (1475 – 1564 гг.) и Рафаэля Санти (1483 – 1520 гг.). 

Леонардо да Винчи был универсальной личностью, обладал многими талантами и знаниями в разных областях науки, искусства и техники. Он не только развивал знания своего времени, но и опережал его. Многогранная деятельность Леонардо оставляла ему не слишком много времени для живописи, однако его произведения являются истинными шедеврами. Одна из ранних работ Леонардо, экспонирующаяся в Государственном Эрмитаже, - “Мадонна с цветком”- передаёт радость материнской любви. Леонардо начал свою творческую деятельность во Флоренции при дворе Медичи. Однако ему пришлось менять местожительства и искать себе покровителей, которые могли бы обеспечить ему возможность работать. Одним из его покровителей был миланский герцог Лодовико Моро.

В живописи Леонардо был экспериментатором, он изобрёл краски, которые, к сожалению, оказались нестойкими. Этим объясняется плохая сохранность многих его работ, так, фреску “Тайная вечеря”, созданную для трапезной одного из миланских монастырей, время не пощадило. Современные зрители могут только догадываться о том, что видели современники Леонардо. Эта работа впечатляет умением художника передать средствами живописи глубокие психологические характеристики. Она поражает новаторством и совершенством композиции. Самая знаменитая работа Леонардо – “Джоконда” (“Мона Лиза”). Портрет этот создан в последнее двадцатилетие жизни художника. В нём поражает загадочное, неуловимое выражение лица женщины. Художник умело использует светотень (сфумато): даже малейшее изменение освещения полотна меняет впечатление о характере изображённой.

Некоторые произведения художника утрачены полностью. О них известно только по документам. Глиняная модель монументальной статуи Франческо Сфорца была разбита французскими солдатами в 1499 г. После падения миланского герцога, при дворе которого художник провёл 18 лет, Леонардо да Винчи был вынужден много переезжать. Он побывал в Риме. Некоторое время провёл во Флоренции и, наконец, обосновался во Франции при дворе короля Франциска I, который обеспечил художнику достойную жизнь. Однако жить Леонардо оставалось уже недолго. Леонардо всегда стремился познать тайну человека.

Микеланджело Буонарроти – великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. В любых проявлениях своего творчества он оставался философом. Его интересовала проблема духовной, нравственной силы человека, привлекали телесная мощь и героический порыв. Сам он, не отличаясь атлетическим сложением и крепким здоровьем, демонстрировал несгибаемую волю и могучий дух. Расписывая потолок Сикстинской капеллы, имевшей длину 40 метров, художник работал 4 года, лёжа под потолком в неудобной позе, постоянно рискуя жизнью. В результате им было создано грандиозное художественное произведение, содержанием которого является его оригинальная интерпретация библейского сказания от Сотворения мира до Всемирного потопа. Позднее в этой же капелле он создал картину Страшного суда, проникнутую чувством скорби.

В скульптуре Микеланджело начал работать когда ему было немногим более 20-ти лет. Одним из выдающихся произведений юного художника стала мраморная “Пьета” (“Оплакивание Христа”) (1497 -1498 гг.). Эта скульптура была создана для собора св. Петра в Риме. После завершения работы Микеланджело возвращается во Флоренцию, где в 1501 г. создаёт статую Давида высотой около 5-ти метров. Давид – гимн человеческой мужественности, красоте, грации и изяществу. К числу высших достижений Микеланджело относятся скульптуры, созданные для гробницы папы Юлия II, среди которых наиболее известен “Моисей”. Не меньшую известность принесли ему архитектурные и скульптурные работы во Флоренции, в частности, в капелле Медичи – “Вечер”, “Ночь”, “Утро”, ”День”. Эти скульптуры олицетворяют осознание ограниченности человеческих возможностей, отчаяние перед быстротекущим временем. Они являются и результатом наблюдений мастера за реальной жизнью. Свой вывод он выразил в стихотворной миниатюре:

Отрадней спать, отрадней камнем быть.

О, этот век: Преступный и постыдный.

Не жить, не чувствовать – удел завидный,

Прошу, молчи, не смей меня будить.

Это четверостишие неоднократно переводилось на русский язык поэтами разных эпох от Ф.Тютчева до наших современников.

В качестве архитектора Микеланджело составил план вестибюля с лестницей и зала библиотеки Лауренцианы, входящей в комплекс церкви Сан- Лоренцо. В 1538 – 1539 гг. он составил план для перестройки зданий на Капитолийском холме в Риме. В 1546 г. был назначен главным архитектором строящегося собора св. Петра в Ватикане. Строительство собора св. Петра имело долгую историю. Начал строительство Браманте, продолжили в качестве руководителей последовательно Рафаэль, Перуцци и Антонио да Сангалло, которые отошли от плана Браманте. Микеланджело вернулся к первоначальному замыслу. Этот собор своим величием и совершенством во многом обязан именно Микеланджело.

Микеланджело рассматривал искусство как свободную деятельность, а не ремесло. Он был аристократом по рождению и по своему мироощущению. И в качестве такового испытывал непреодолимое презрение к Леонардо да Винчи, вылившееся в открытое соперничество.

Рафаэль Санти – одна из наиболее гармоничных личностей высокого Возрождения. Универсальный живописец, архитектор и монументалист. В качестве живописца известен в первую очередь незабываемыми “Мадоннами”. Одна из этих работ художника - “Мадонна Конестабиле”, хранящаяся в Эрмитаже, написана Рафаэлем в юности, но является одним из шедевров мастера. На 15 лет позже Рафаэль создал свою “Сикстинскую мадонну” (1516 г.), изображающую Марию в безграничном пространстве между папой Сикстом и святой Варварой. По поручению папы Рафаэль расписывает покои в Ватикане. Одной из ватиканских работ является фреска “Афинская школа”, которая изображает идущих прямо к зрителям Платона и Аристотеля. Среди учёных изображён Евклид, которому Рафаэль дал облик Браманте, Диоген одиноко сидит на ступенях, Гераклит изображён в состоянии сосредоточенной задумчивости. Рафаэль является создателем многих замечательных портретов. Среди лучших – портреты пап Юлия II и Льва X, кардиналов. Замечательным созданием является портрет “Дамы с покрывалом” (“Донна Велата”).

Рафаэль с наибольшей адекватностью выразил ренессансный идеал человека. Он сумел синтезировать предшествовавшие ему достижения и определить дальнейшее развитие гуманистических тенденций в искусстве.

Позднее Возрождение

На период Высокого и Позднего Возрождения пришёлся расцвет искусства в Венеции. Среди художников венецианской школы особое место занимает творчество Джорджоне (1476 – 1510 гг.). Художник обессмертил своё имя полотнами “Юдифь”, ”Спящая Венера”, ”Сельский концерт”. Приоритетными задаче Джорджоне считал задачи колорита и света. Он первым придал жанру пейзажа самостоятельное значение.

Выдающийся представитель венецианской школы – Тициан Вечеллио (1477 – 1576 гг.). Работы Тициана привлекают новизной и необычностью решения колористических и композиционных задач. Впервые на полотнах изображается толпа. Наиболее известные работы Тициана: “Кающаяся Магдалина”, ”Любовь земная и небесная”, ”Венера”, ”Даная”.

Период позднего Возрождения был отмечен наступлением католической реакции. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы под влиянием церкви отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру великих мастеров Возрождения. Так возник маньеризм, который опирался на мощное покровительство церкви, но всё-таки не смог стать ведущим направлением искусства.

Реалистические тенденции и гуманистические идеи проявились в творчестве живописцев Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто, Микеланджело да Караваджо. Караваджо стал основоположником реалистического направления в европейской живописи XVII в. Последним из наиболее крупных скульпторов и ювелиров Италии был Бевнутто Челлини (1500 – 1571 гг.). Начиная с 40 – гг. XVI в. церковь в Италии стала широко применять репрессивные меры к инакомыслящим. В 1542 г. была реорганизована инквизиция и создан её трибунал в Риме. Многие выдающиеся деятели культуры и искусства погибли на кострах инквизиции. Многие произведения, прежде всего литературные, были запрещены. Таким образом, к началу 50 – х гг. эпоха Возрождения в Италии подошла к своему закату.

Музыка эпохи Возрождения

Хотя эпоха Возрождения характеризуется светским характером, светская и церковная музыка развиваются параллельно, и именно церковная школа дает обществу композиторов, певцов, музыкантов. Именно в эпоху Возрождения появляется само понятие композиторы. Часто они используют в своих произведениях народные мелодии; порой бывает даже трудно определить, что лежит в основе музыкальной пьесы, - собственная идея создателя или национальный напев.

Музыка эпохи Возрождения с ее величественным, спокойным, возвышенным характером порождает специфическое отношение к танцу. В это время появляется огромное количество литературы по правилам танцев, хореографии, а также сборники танцевальной музыки.

Характерные особенности музыки эпохи Возрождения:

развитие и совершенствование различных музыкальных стилей эпохи заложило фундамент для более глубокого осмысления, творческого подхода к музыкальной культуре;

изобретено нотопечатание;

импровизация и музицирование выделились в отдельный вид духовной, культурной деятельности людей;

новое мироощущение отразилось в изменении фактуры произведений, число голосов увеличивается до четырех, шести и более;

достигаются определенные успехи в конструировании музыкальных инструментов;

танцы (для различных слоев населения) выражают определенные чувства человека, его настроение, мысли, отличаются свободой и достоинством.

Северное Возрождение

Ренессанс получил своё наивысшее и законченное воплощение в культуре Италии, но влияние этого движения коснулось Англии, Франции, Испании, Германии и Нидерландов. Гуманистические движения ещё в XV в., выйдя за пределы Италии, оказали мощное воздействие на культурный процесс в этих странах. Разные политические, социальные, религиозные условия развития этих стран Европы обусловили иное осмысление и претворение идей Возрождения.

В Англии типично ренессансным искусством стал театр Шекспира.

В Испании театральное искусство также играло очень важную роль.

В Германии достижения ренессансной культуры связаны с именем крупнейшего немецкого художника Альбрехта Дюрера (1471 – 1528 гг.). Он был прекрасным рисовальщиком, гравёром, но не менее успешно занимался научной деятельностью. Мечтал написать энциклопедию – руководство для художников, но не закончил эту работу. В живописи Дюрера особое место занимают портреты. Его стиль отличается лаконизмом, цельностью композиции, глубочайшей психологической выразительностью. Дюрер оставил великолепный автопортрет, который даёт представление о нём как о человеке, воплотившем дух и идеи своего времени.

Грюневальд - так ошибочно с XVII в. стали называть крупнейшего немецкого живописца, архитектора Матиса Нитхардта (ок. 1470 – 1528 гг.). Он работал во Франкфурте – на – Майне, Майнце, был придворным живописцем архиепископов и курфюрстов. В творчестве этого художника наиболее полно выразился национальный дух, его мироощущение близко народному. Религиозные образы он трактует в духе мистических ересей. Творческой манере Грюневальда присуще особое соотношение цвета и света, драматизм и экспрессия. Самое известное произведение художника – монументальная девятичастная композиция “Изенгеймский алтарь”, в центре которого изображена глубоко трагическая сцена распятия Христа.

Ганс Гольбейн Младший (ок. 1497 – 1543 гг.) формировался в эпоху зрелости Возрождения и стал его самой яркой фигурой. Из всех немецких художников он был ближе всего к итальянскому Возрождению. Гольбейн Младший много путешествовал, жил в Англии, где ему покровительствовали Томас Мор и Генрих VIII. Самыми сильными сторонами дарования Гольбейна были рисунок и портрет. В его творчестве выделяют два этапа, что связано с использованием Гольбейном различных техник.

С XV в. центром европейской культуры становятся Нидерланды, где традиция итальянского Возрождения получила дальнейшее развитие. Эта страна была родиной великого художника Яна Ван Эйка (1390 -1441 гг.), который создал новую технику живописи маслом. В Нидерландах возникли и получили развитие натюрморт и пейзаж как самостоятельные жанры искусства. Общий пафос нидерландской живописи – в утверждении значимости материального мира для человека. В то же время в ней звучали предостережения и напоминания о той ответственности, которую должен взять на себя человек, осознавший себя творцом. Знаменитая картина великого нидерландского художника эпохи Ренессанса Питера Брейгеля Старшего (ок.1525 – 1569 гг.) “Притча о святых”, написанная на евангельский сюжет как раз и является таким предостережением. “Сказал также им притчу: может ли слепой водить слепого? Не оба ли упадут в яму?” [Евангелие от Луки]. Сюжет картины трагичен: слепой поводырь сбился с пути, скатился в болото, а следом за ним тем же гибельным путём идут остальные. Обыденность только усиливает чувство ужаса, которое возникает у зрителя. Этому же художнику принадлежат работы “Нидерландские пословицы” и “Детские игры”. Обе эти картины можно читать, как долгую историю. “Избиение младенцев” – сцена из библейской истории перенесена художником в нидерландскую деревню. “Обращения Павла” происходит на горном альпийском перевале. Вершинные произведения мастера – “Зима. Охотники на снегу” из серии ”Времена года”, ”Крестьянская свадьба”, “Фламандские пословицы”.

Деятели Возрождения пытались внушить своим современниками мысль о тех опасностях, которые могли возникнуть у человека в будущем. Одним из них был литератор Паджио, который писал: “Остерегайтесь, как бы не потерять небо за благами земли”.

В 1436 г. Карл XVII вступил в Париж, к 1447 г. англичане были изгнаны из Франции. Патриотический подъём, охвативший страну во времена Жанны д’Арк, одним из своих последствий имел расцвет искусства во Франции. Достижения французского Возрождения проявились в архитектуре, где был выработан новый тип загородного замка – дворца и городского дворца – “отеля”. Чаще всего дворцы возводили из кирпича с каменными прокладками. Они имели высокие крыши. Одним из замечательных украшений стала многогранная башня с винтовой лестницей. Образцом этой архитектуры может служить замок Шамбор.

В скульптуре и живописи также были сделаны большие успехи.

Ян, Поль и Герман Линбург. Они родились в северной части Нидерландов, но учились в Париже. Братья Линбург были не только живописцами, но и ювелирами. Во Франции скульптура играет более важную роль, чем живопись. Это объединяет её с Нидерландами. Во французской скульптуре используется камень. В этой стране в отличие от других европейских стран камень используют для создания алтарей. Очень интересна и разнообразна надгробная пластика Франции, ничего равного ей не было нигде в Европе.

На рубеже XV – XVI вв. происходит расцвет шпалерного искусства. В это время созданы ковры из серии “Дама с единорогом”. Новаторством отмечено французское искусство портрета. Жан Фуке первым стал изображать модель в натуральную величину. Этому же художнику принадлежит серия книжных миниатюр к “Иудейским древностям” Иосифа Флавия. Выдающимся скульптором стал Жан Гужон. Наиболее показательна его работа “Нимфы источника”, а также рельефы алтарной преграды парижской церкви Сен – Жермен л’Оксерруа.

 

Биографии художников